Celan, el poeta de los mil naufragios

VIVIR SOBRE LA VIDA MUERTA
por José Luis Zerón Huguet

Paul Celan

Paul Celan (seudónimo de Paul Antschel), uno de los poetas más celebrados y herméticos de la lengua alemana, nació en 1920 en Chernovich (Bucovina austrohúngara) de una familia germanoparlante de tradición jasídica. Su voz está marcada por el dolor y por una insaciable necesidad de conocimiento. Fue deportado con sus padres a un campo de concentración nazi. Él sobrevivió, pero ellos murieron. Esta pérdida, muy sentida, le dictó los poemas de más aliento. En 1947 abandonó Rumanía para pasar una temporada en Viena, donde publicó su primer libro de versos  Der Sandus den Urnen (La arena de las urnas). En 1948 se trasladó a París y allí obtuvo la nacionalidad francesa y casó con la artista gráfica  Gisèle Celan-Letrange, con la que tuvo dos hijos (el primero fallecido a los pocos años). Realizó estudios de  filología germánica y lingüística en la Sorbona y fue profesor de literatura alemana en la École Normale Supérieure a partir de 1959.

Aunque alcanzó relevancia internacional (en 1960 obtuvo el premio Büchner de los libreros alemanes) se sintió solo y a veces perseguido. Era un hombre difícil poco dotado para las relaciones sociales, pero trabó una gran amistad epistolar con la Nóbel Nelly Sachs, que también sufrió la desaparición de casi toda su familia en los campos de exterminio y cuya poesía tiene muchas afinidades con los primeros libros de Celan.  Con la poetisa austriaca Ingeborg Bachmann, que le abrió muchas puertas en el mundillo literario, mantuvo una relación pasional llena de claroscuros. Celan sufrió depresiones, rupturas, incursiones en el alcohol, incluso crisis de delirios, al punto de intentar matar a su esposa en una ocasión. La muerte de sus padres y su sentimiento de culpa como superviviente, sumado a una grave acusación de plagio por parte de la viuda del poeta Ivan Goll, hizo añicos su frágil sensibilidad. En la noche del 19 al 20 de abril de 1970 se arrojó al Sena desde el Puente Mirabeau (París), cantado por Apollinaire en uno de sus poemas más bellos; allí donde el río es ancho y la corriente más fuerte. Un pescador encontró su cadáver días más tarde.

            Como escritor Celan tradujo y escribió poesía. A lo largo de su vida no publicó prácticamente prosa. En total su obra poética, compuesta entre 1938 y 1970, abarca unos 800 poemas y está dividida en dos etapas claramente diferenciadas. En los primeros libros la estética celaniana, aunque compleja, es transitiva, flexible y musical. En sus versos están presentes los románticos alemanes Hölderlin y Novalis, los tres grandes poetas espiritualistas Von Hofmannsthal, Rainer María Rilke y Stefan George,  Trakl y los poetas principales del Naturlyrik (Johannes Bobrowski, Ingeborg Bachmann y Günter Eich), y también se percibe la influencia del surrealismo y la riqueza de imágenes bíblicas. A partir del quinto libro, Die Niemandsrose  (La rosa de Nadie), 1963, hay un punto de inflexión: Celan abandona el virtuosismo y la fluidez rítmica y empieza una poesía de destrucción que desafía la inteligibilidad. En este periodo adscrito a la desidealización del lenguaje, calificado como hermético, experimental o metapoético, Celan expresa un mundo interior mítico y metafísico torciéndole el cuello a la gramática y a la sintaxis, inventando retruécanos y neologismos, refundando un cúmulo de palabras devaluadas por el uso. Adelgaza el poema hasta convertirlo en críptico aforismo. El lenguaje aspira a perder su carácter mediatizador para convertirse en un fin en sí. No depende de lo designado y es fiel a las compulsiones de la palabra.

            Desde luego, el hermetismo de Celan no es nuevo; está presente en Mallarmé y Joyce, en  Ezra Pound, César Vallejo y e.e. Cummings y en los poetas concretos alemanes y brasileños, pero su originalidad estriba en un carácter personalizador y elegíaco, y una capacidad para confrontar tradiciones y culturas muy diversas, desde la mística judía, hasta la filosofía de Benjamin, Heidegger y Adorno, pasando por el lenguaje científico. Celan crea una poética paradojal (escribió en la lengua de los verdugos y admiró al filósofo filonazi Heidegger por su acercamiento al misterio de la poesía, con quien se encontró en un par de ocasiones decepcionantes para el poeta) que trata de responder a las dos grandes preguntas sobre la poesía: “¿Para qué poetas en tiempos de carencia?” (Hölderlin) y “¿Se puede escribir poesía después de Auschwitz?” (Adorno). “El hombre de los mil naufragios”, como lo llamó Michaux, no supo responder a la primera pregunta, aunque demostró que en tiempos oscuros los poetas son necesarios para crear lugares habitables en las grietas del ocaso. La segunda cuestión la resolvió afirmativamente con sus poemas. Insólitos. Celan creía que un mundo nuevo es imposible sin un nuevo lenguaje.

            Celan nunca encontró cobijo y vivió a la intemperie entre dos reinos: el de la luz y el fuego y el de la noche y la ceniza. Su poesía, alusiva y elusiva, resulta misteriosamente precisa y a la vez inasible en su lenguaje sintético. Sus versos agónicos, fragmentados, revelan la extrañeza del propio abismo y el del lector con una polivalencia significante. Requieren lectores atentos que no teman a la inclemencia de una metafísica que no se entiende y asuman el riesgo de avanzar entre rescoldos.

            La poesía de Celan ha sido vertida a las lenguas más habladas y desde su muerte se han sucedido estudios sobre su obra en todo el mundo. Aquí, en España, ha sido traducida, entre otros, por Jaime Siles, Jesús Munárriz, Felipe Boso, José Ángel Valente y J. L. Reina Palazón.

            Fuga de muerte es, sin lugar a dudas, el poema más conocido de Celan y el que figura en casi todas las antologías del autor. Pertenece a MohnundGedächtnis (Amapola y memoria), su segundo libro, publicado en 1952. Es uno de los grandes poemas del siglo XX. Según el crítico Siegbert Prawer, es comparable en importancia al Guernica de Picasso. El título alude a la estructura del poema, concebido como una fuga musical y a la vez hace referencia a los músicos judíos obligados a tocar mientras sus compañeros cavaban fosas o en orgías de los SS alemanes con jóvenes judías. Destaca en la obra celaniana por su longitud y accesibilidad. Es un ejemplo de cómo un poema de denuncia se aleja eficazmente de la verborrea hiperbólica y la topiquería sentimental hasta alcanzar una memorable maestría metafórica.

Videomontaje: "Fuga de la muerte"

por Luisa Pastor

Una noche, tras la presentación en el Ateneo de Orihuela del libro “Rostros de tiza”, de nuestro amigo el escritor Manuel García, nos hallábamos un grupo de inquietos tertuliando a deshora en la terraza del barecillo situado frente al Teatro Circo. Cerveza en mano, noche apacible y amena, espléndida conversación… De ahí surge este montaje que hoy presentamos. El culpable: el poeta José Luis Zerón, que me reta personalmente arrojándome el guante de enfrentarme a la poética de Celan, en concreto a un poema que él consideró que nunca había oído declamar como le gustaría.  

Cuando leí el poema, la misma mañana siguiente, supe que ese poema era para mí. Creo que José Luis lo sabía también. Con todo, pasado el primer entusiasmo, es un poema que me ha brindado no pocas inseguridades, pero también grandes satisfacciones, he luchado contra su patetismo y a la vez me he dejado arrastrar por su desolada esperanza en el hombre, convertido en un ser macabro y sensible a la vez, un monstruo bicéfalo cuya mirada es insoportablemente gélida, siendo humana, como en principio debiera ser. Un niño que como tal juega a ser despiadadamente cruel. No debemos olvidarlo… Por eso Celan es imprescindible: por lo que dice y por cómo lo dice, con un chorro de conciencia que se declara incapaz de razonar esta compleja naturaleza o maquinaria nuestra,

                        como no sea a través del delirio...

Versos de la rebeldía: El dulce milagro con acompañamiento de tango.

Os ofrecemos una nueva versión del poema
 El dulce milagro, de la uruguaya
 Juana de Ibarbourou,
 con acompañamiento musical
del tango
"Recuerdo".
Pincha abajo para oírlo.

Versos de la rebeldía: El dulce milagro, de Juana de Ibarbourou.

Os ofrecemos uno de los poemas más bellos de la poetisa uruguaya Juana de Ibarbourou, declamado por Luisa Pastor. Dos pintores delicados y evocadores, Pierre August Renoir y Giovanni Boldini, ilustran la entrada.

Versos de la rebeldía: “El dulce milagro”, de Juana de Ibarbourou

De todas las imágenes que evocan la figura del artista yo me quedo con esta de Vicente Huidobro en la que el poeta se levanta y, con voz firme, con toda la fuerza de sus pulmones, clama a la Naturaleza: “Non serviam”,  “No te serviré, no he de ser tu esclavo”.

En Juana de Ibarbourou hallamos esa querencia revolucionaria, ese deseo de réplica contra la lógica, contra el imperio todopoderoso de la razón, contra el tiránico pragmatismo que rige a la inmensa mayoría de los hombres, envarados en los rigores de sus leyes, líneas y formas.

“El dulce milagro” es más que un poema, es una oda a todos los quijotes, a todas las frágiles criaturas afanadas en dar fama a su delirio, fantasmas del idealismo que sobrevuelan los trigales con plena conciencia de ser señalados, o burlados como el desvalido albatros de Baudelaire. Es una alabanza, una bendición al deleitoso retiro de la locura, la tergiversación…

… desde la fronda de sus manos, el ser poeta arroja una rosa como una  lanzada a la atmósfera ordinaria, buscando el homenaje en los territorios de la fantasía, esa maravillosa pulsión imaginativa que nos aparta del ruido,

                                   en  una celda en la que realmente nunca llegamos a estar solos…

Luisa Pastor

Reseña de José Luis Zerón sobre "Hielo", poemario de José Luis García Herrera

POR LOS CAMINOS DEL FRÍO

Portada del poemario

José Luis García Herrera, nacido en Esplugues de Llobregat en 1964, es rapsoda, crítico literario, narrador y antólogo (en 1994 tuvo el detalle de incluirme en la antología Los nuevos poetas, editada por la inolvidable Seuba, y nos hicimos amigos. Siempre le agradeceré aquel espaldarazo), pero por encima de todo en un veterano poeta con dieciséis títulos de poesía y varios premios importantes a sus espaldas, merecedor de un mayor reconocimiento por parte de la crítica. Sus primeros poemarios, Lágrimas de rojo niebla (1990, Premi Vila de Martorell 1989) y Memoria del olvido (1992)  son imaginativos, arrebatados, intensos, con una tendencia visionaria y marcadas influencias del surrealismo, el Neruda más metafórico y los poetas de la Generación del 27, especialmente Vicente Aleixandre. En su tercer libro, Código privado (1996) inicia una evolución hacia una poética templada, lúcida, transitiva, de hondo contenido humano, que podríamos llamar figurativa           

Hielo,  último libro de poemas publicado por el autor (Premio Rei en Jaume, 2011) tiene una relación argumental con dos poemarios suyos: Mar de Praga (2005, Premio Blas de Otero 2004) y Cuaderno de Britania (2010, Premio Juan Alcaide, 2010). En mi opinión, los tres poemarios conforman una trilogía sobre el viaje como metáfora en la poesía de José Luis García. El título de este último es escueto, sentencioso y sugerente. Tiene un doble sentido geográfico y existencial,  pues alude al clima nórdico, inhóspito, cuando no agresivo para un hombre mediterráneo, y a la crisis anímica del poeta, desamparado, solo y a la deriva con sus íntimas catástrofes por una ciudad que les del todo ajena y con la que, no obstante, se identifica. De hecho, la nieve y el sentimiento de orfandad son los dos núcleos temáticos de este libro que se abre con el poema El viaje (Madrid- Copenhague):“El viaje posee matices de destierro./ No solo es la distancia física la que separa/ el tacto cercano de los cuerpos. Hay otra distancia –la cotidiana, la afectiva-/ abriendo un abismo en las fronteras del corazón./ El viaje recorre ambas distancias, las aleja,/dejando en el ánimo cierta sensación de desamparo, de orfandad, de pérdida/ ante los miles de personas que cruzan/ la amplia terminal del aeropuerto”.

El libro continúa con poemas que son breves anotaciones de un estado de ánimo cercano a un naufragio que no llega a consumarse. El poeta, turbado flâneur, se mueve por la capital danesa, camina por sus calles y plazas, siente el frío de la noche, se refugia en los cafés. Le fascina la tierra del Norte y al mismo tiempo experimenta los rigores de un viaje que tiene muy poco de iniciático y mucho de ritual fatalista: “Es otoño, pero parece invierno. Lejos de aquí/ mi madre cose el silencio de la casa/ que han abierto sus hijos con la ausencia (…) El frío de la noche borra las huellas de mis manos/. Todo enmudece. Todo adquiere el color blanco /que anuncia el mar de la nostalgia/ y la negrura espesa que precede al silencio. / Lejos, muy lejos, mi padre lee unas cuartillas/ las palabras que no sé decirle por teléfono./ El frío de la noche ha cerrado las puertas”(El frío de la noche).

La nostalgia y la poesía son asideros contra la soledad y la intemperie (“La poesía es mi refugio”, escribe el autor), si bien también pueden tener aristas: “un verso me descubre la tormenta interior/ en la que desordeno la verdad de la lluvia.” (caminos cruzados). “Soy huésped de mis ruinas./ Todo lo que levanté/no evitará mi paisaje al olvido (…)” (La sombra del silencio). La palabras no siempre consuelan, ni posibilitan el acercamiento a la vida: “No hay palabras que cierren/ las heridas del silencio. Ni miradas/ que escarben más allá de la sombra/ El paso lejano de la noche/ aviva el deseo de la mujer que añoras./ Besas el perfume caído en las esquinas/ de las almohadas. No hay veneno/ más amargo que el frío de la ausencia (Veneno). Y esa ausencia omnipresente percute con dureza en el poema Hablando solo, así como en los versos finales de Gammel Kongevey (“Nadie me ayuda/ a recoger los escombros/ de mis propios pasos”) y en ese tierno poema titulado Compartimos soledad –no exento de patetismo- dedicado a la sirenita, la escultura más famosa de Dinamarca: “Nos une esa mirada perdida en el vacío, ese destino/ trazado sobre las olas frías de la espera”.

José Luis García Herrera ha trabajado este poemario con un lenguaje austero que refrena el ensueño y el estallido del caos. Los poemas parten de pequeñas anécdotas biográficas y de lugares comunes, pero concluyen en lo esencial. Son sentenciosos –a veces casi aforísticos-, translúcidos, monocromáticos y silenciosamente tormentosos, aunque sensitivos. Con un tono entre lírico y narrativo, el poeta expresa su soledad, su tristeza, su perplejidad, y lo hace sin énfasis, con una serenidad estoica. El discurso de Hielo está elaborado con la sustancia personal del autor, pero no es solipsista o egocéntrico. El confesionalismo, siempre lúcido y evocador, está dotado de una sincera humanidad. El lector puede entrar en él y hacerlo suyo sin el menor esfuerzo. El paisaje frío y crepuscular por el que transita el poeta, allí donde acontece la ruptura de la luz, es también el camino para llegar al fondo de la realidad.

 Pese a todo, Hielo tiene sus epifanías cotidianas, sus momentos de esperanza –la esperanza anida en la ausencia-, emotividad e íntima y fugaz felicidad: “Hoy es hielo lo que encuentro/ a cada día que pasa. /Con la ilusión del niño/ que ignora que todo juego acaba/ me aferro a los aromas de este sueño/ que puebla de naranjos mi almohada (sueño). En el mismo tono de reconciliación con la realidad están escritos los versos finales de Color de tu presencia: “Guardo en mis labios el sabor de los tuyos…/ El calor de tu presencia abriga mis sueños./ Y al regresar a la calle, al mar de la noche, / los puñales del frío ya no hieren mi carne/ ni me roban la sonrisa los fantasmas del hielo”. Y también los versos esperanzados de A su manera,  el poema que cierra el libro: “He salido a recorrer esta ciudad con otros ojos/ y he aprendido a amar lo que por distinto/no deja de ser hermoso a su manera”.

José Luis García Herrera ha escrito con palabras sencillas un libro de poemas equilibrado, maduro, medular, que nos aflige y conmueve por su melancólica belleza.

José Luis Zerón Huguet

Hielo, José Luis García Herrera, Ajuntament de Calvià, Mallorca, 2012.

PASEO POR NYHAVN

Si quedara una silla frente al mar
o una roca blanca
sobre la que sentarse con una cerveza
y un libro de poesía de Antonio Gamoneda,
o un ángulo muerto
desde el cual espiar a dos mujeres gesticulando
y hablando sobre los meses de verano,
me quedaría quieto, con los ojos cerrados,
escuchando el rumor de un agua lenta
descifrando los versos escritos sobre el hielo
que gotean la savia de su esencia
por manos adiestradas a peinar
las contradicciones del viento.

Charles Baudelaire: reseña de La Folie Baudelaire por José Luis Zerón y un audiopoema: "Lo irremediable", por Luisa Pastor

Portada del libro
de Roberto Calasso

Es curioso que Charles Baudelaire, enemigo del progreso del siglo XIX y representante del elitismo aristocrático, sea el precursor de la poesía vanguardista y un icono de la modernidad. En La Folie Baudelaire (Anagrama), último libro de Roberto Calasso, erudito, ameno, vigoroso, inclasificable, se explica el enigma de este poeta desarraigado, paradójico reaccionario, esteta en guerra permanente con la mediocridad y admirador, sin embargo, de algunos talentos mediocres como Merimé o  Costantin Guys, a quien calificó “como el pintor de la modernidad”. Baudelaire deploró la dependencia de tantos escritores y artistas prostituidos por la obligación de producir, pero se adaptó a la naciente industria cultural debido a su sempiterna precariedad económica –aquí podemos encontrar uno de los muchos paralelismos con su alter ego norteamericano, Edgar Poe- e incluso fue aspirante a la Academia francesa y mendigó una reseña al crítico Saint Beuve, quien accedió finalmente con un texto paternalista y no exento de mordacidad. El ensayista italiano afirma que Baudelaire es “el más arcaico de los modernos” y destaca otra paradoja: una de las peculiares virtudes de su poesía es precisamente su falta de soltura, su exceso de peso y densidad. “Su palabra está cargada diga lo que diga. Hay un exceso de linfa, un adensamiento de energía, una presión de lo desconocido que la sostienen y al fin la abaten”. La folie Baudelaire es a la vez una monografía sobre el personaje prototípico de la flanerie y una obra sobre el nacimiento de la modernidad en el París decimonónico

        Con todo, lo que me ha parecido más atractivo de este libro repleto de analogías es el complejo sueño que el autor de Las flores del mal transcribió en una carta a su amigo Asselinau nada más despertar en la madrugada de 1956. Calasso lo reproduce íntegro en el capítulo cuarto y le dedica un profundo análisis. El sueño es un  relato perturbador que me recuerda al mundo de Fellini, “un cuento sorprendente –como lo califica Calasso-. Acaso el más audaz del siglo XIX”. En su carta a Asselinau, Baudelaire define su sueño como “un lenguaje jeroglífico del que no tengo la clave”. Resulta difícil no relacionar por contraposición esta confesión de impotencia con la arrogancia que, veinte años después, exhibe Rimbaud en sus Iluminaciones, proclamando en repetidas ocasiones que él es el único que comprende el sentido oculto de la vida. Recordemos el final de “Parada”, el cuarto poema de la serie: “Solo yo poseo la clave de esta parada salvaje”.

José Luis Zerón Huguet

Zona de ensayo: "LSD" por Luisa Pastor

¿Qué tenemos hoy que no se deba a una revolución, a un movimiento que dé contestación a una época de decadencia? Nuestro modo de vida, despreocupado y feliz, por ejemplo, ha sido la pildorilla que nos entregaron, entre otros,  los visionarios de los 60, gracias a sus propias movilizaciones. Más allá de Woodstock, el mundo comenzó de nuevo a revisarse: cuestiones de tolerancia interracial, de emancipación femenina, de libertad sexual, de antibelicismo, de preocupación por el medioambiente,… fue el regalo que nos hicieron  aquellos jóvenes, retratados de manera muy simplista e interesada por algunos de sus contemporáneos, como  el ex – presidente de los EEUU, ya desaparecido, Ronald Reagan (al menos, éste reconocía que era actor), quien, en el colmo del desparpajo figurativo, dio su propia definición de aquellos rebeldes individuos, sin paliativos:  “tíos –dijo- con el pelo como Tarzán, que caminan como Jane y que huelen como Chita”.  Por no hablar (me imagino que se quedaría con algo en la punta de la lengua) de sus excentricidades estilísticas y étnicas, sus arco iris de idealismos fútiles, su inclinación anárquica y apátrida, sus marginales comunas o su célebre debilidad por las sustancias enajenantes, como la marihuana o el LSD. Y ya que hablamos de esa mítica droga, cabría recomendarles a nuestros políticos y, ¿por qué no?, a ciertos civiles más que cómodos y materialistas, un buen chute de esos combinados, un cóctel especial, entre parlamento y parlamento, de Libertad,  Sentido del deber  y  Decencia.  No sé, no sé… Lo mismo sus organismos no lo resisten… Mejor que prueben primero a escuchar a Joan Baez, y así empiezan poco a poco a iniciarse en esa cosa tan alucinógena que llamamos derechos humanos.  

Luisa Pastor

Auralaria en "Cosas que pasan"

Compartimos con todos vosotros la reseña que en el periódico La Verdad de Orihuela, en la sección Cosas que pasan, de Concha Montijano, se hace de la última novela de Manuel García, Rostros de tiza, y del montaje promocional que realizamos para su presentación al público orcelitano.

http://www.laverdad.es/alicante/v/20120524/orihuela/jovenes-lecturas-videos-20120524.html

Portada del montaje. Fotografía Joaquín Marín.

Auralaria, de nuevo, en el blog "Poesía de mujeres"

Marina Tsvietáieva

De nuevo, uno de nuestros trabajos, el videomontaje dedicado a Marina Tsvietáieva, aparece en el blog Poesía de mujeres. Agradecer desde aquí a Ana Muela su implicación con nuestra labor y su difusión. Os damos el enlace directo con esta página plagada de grandes voces femeninas.
http://www.poesiademujeres.com/2012/05/ti-dentro-de-un-siglo.html

Versos de la rebeldía: "A ti, dentro de un siglo" de Marina Tsvietáieva

Os presentamos un homenaje a Marina Tsvietáieva, con la voz de Luisa Pastor y la colaboración inestimable de José Luis Zerón, que nos da su visión personal y única de la poetisa rusa. Además, os entregamos un poema inédito de Luisa Pastor inspirado en Tsvietáieva.

MARINA TSVIETÁIEVA: UNA POÉTICA DE LA INTEMPERIE

Hace algún tiempo fui invitado a dar una dar una charla en un instituto. Al finalizar la misma, una profesora me preguntó: ¿“Por qué ya no hay poetas como Marina Tsvetáieva?”. Desconcertado, improvisé una respuesta para salir del paso. Hoy tampoco sabría responder con precisión a tan audaz pregunta. Solo se me ocurre pensar que la gran escritora rusa Marina Tsvetáieva (1892-1941), vivió en una época en la que todavía se creía en los poetas, no como meros artesanos de la palabra, sino como artista fervorosos dotados de una sensibilidad especial para vivir atentos a la revelación –que podía surgir en las honduras del yo o en la convivencia cotidiana- y capacitados para afrontar riesgos, privaciones y sufrimientos. Como sus amigos, Boris Parternak y Anna Ajmátova, Marina vivió a la intemperie desde muy joven, constantemente violentada por el infortunio y la barbarie. Como ellos escribió a todo riesgo, sin la red protectora de la retórica. Toda su vida fue una tragedia que encaró con un coraje y una dignidad que solo el descreimiento de nuestro tiempo nos impide llamar heroísmo.

Sufrió la pobreza y el exilio, cuando acompañó a su marido Serguéi Efrón, un capitán en activo que huyó de la revolución rusa. Primero en Praga (1922) y luego en París (1925). Tuvo dos hijas, Irina y Ariadna y un hijo, Gueorgui. Alejada de los círculos literarios parisinos no encontró el reconocimiento que merecía. Pero ella, que nunca perdió la fe en la poesía –aunque siempre temió perderla-, escribió estos versos clarividentes: Mis poemas serán saboreados como raros vinos/ cuando sean viejos.

Nostálgico de su patria, Serguéi Efron fue simpatizando con la causa soviética y aceptó trabajar para el servicio secreto. En 1937 cayó en desgracia y fue obligado a regresar a Moscú. En 1939 Marina Stvetáieva volvió a la Unión Soviética para reunirse con su marido. Ese mismo año Serguéi y su hija Ariadna fueron arrestados. Marina respondió a los continuos agravios y humillaciones con la ofrenda de su poesía, que no claudicó ante el nuevo dios y la ciega multitud que lo adoraba.  Aunque escribió teatro, ensayo, un diario y abundante correspondencia, es en su poesía –elaborada con un lenguaje cuidado y de gran potencia visual y sonora- donde resalta la verdadera llama de su talento creativo en perpetua lucha contra el sufrimiento. Sus poemas, plagados de diálogos y preguntas, se extienden por los vastos territorios de la analogía y acuden al misterio y se internan en la espesura a través de elipsis o repentinas rupturas de lo previsible. Los versos fluyen, respiran, se entregan a la deriva de su propio aliento con un insólito resplandor de aurora y de ocaso; en ellos se mezclan el latido aventurero de lo naciente y la intensa solemnidad de lo que finaliza. Una de sus traductoras, Selma Ancira escribió: “Tsvetáieva logró pulverizar las palabras, logró que suenen de una manera distinta”. En mi opinión, Antes del fin, título premonitorio, es el mejor poema de Marina Tsvetáieva y junto a Réquiem, de su amiga Ajmátova, el gran poema de la literatura rusa

El temperamento resistente de Marina, manifestado en muchos de sus versos, se encaró contra el sentido trágico de la existencia: “No te llevarás el rojo de mi mejilla/, poderoso como el desborde de un río./ Eres cazador pero no me rendiré./ Tú eres la persecución, pero yo soy la fuga”.

Su hija Ariadna manifestó en su libro Marina Tsvetáieva, mi madre: “Escribía de mañana, bien temprano, con el estómago vacío (…) podría escribir cualquiera fueran las circunstancias que la rodearan y de hecho así lo hizo”.

Pero tanta rebeldía contra la siniestra realidad, tanto coraje, tanta intemperie, tantas pulsiones heroicas tuvieron un límite. En 1941 Serguéi Efrón fue fusilado. Ese mismo año, Marina se suicidó buscando la consolación en un paisaje lejano, el espacio de paz que cantó e invocó en muchos de sus poemas.

José Luis Zerón Huguet

Ya que aquí nunca nada se realiza...

A   Marina Tsvietáieva,

desde otro siglo

Ya que aquí nunca nada se realiza...

… ¿ Por qué no participar

del ser de las Musas,

compartir con ellas

su  leve peso,

apenas sostenido

por las gasas de la imaginación?

Si nada al margen se consuma,

si todo por igual se desvanece,

¿por qué no dormir pronunciada

entre los labios del poeta,

por qué no pasear mi fantasma

por sus andamios y aranceles?

En tanto que solo la fuga persiste,

en tanto que somos ambos peregrinos

sin la palma y la gloria de los vivos,

¿por qué no alentar un trazo, una idea, la primera,

ser absoluta como el Arte,  necesaria,

y olvidar de momento el canto

para admirar ese prodigio, esa desembocadura,

con el tedio de mi carne inspirando su rezo…?

Como quiera que entiendo

su figura al trasluz  de mis dolientes versos,

como quiera que ayer perseguí el mismo sol,

hasta que cayó la tarde, y sobrevino el frío,

¿por qué no conducir sus dedos

por el abandonado oficio

de hallar los secretos

perdidos entre mis anillos?

Sabiendo que nunca nada se cumple

aquí por siglos,

sabiendo que hay una hora para todo

que se cobra el silencio,

nada  debiera al menos  impedir el consuelo

de encontrar a su lado

un   paisaje para mi  descanso,

un instante para adivinar la intención de sus manos,

y luego cerrar sus ojos, mis ojos,

y evocar juntos el mismo sueño…

Luisa    Pastor Martínez

Estreno de "El caballero de la armadura oxidadada" con la sección juvenil de Auralaria

El elenco de actores con la directora, Luisa Pastor,
y la coordinadora, Mª Luisa Martínez

Caballero y Merlín en un momento de la representación.

La sección juvenil de Auralaria poesía escénica estrenó el pasado domingo 13 de mayo, en el Ateneo Cultural Casino de Orihuela, su versión libre  de “El caballero de la armadura oxidada”, una novela breve de Robert Fisher. La obra, que fue adaptada  por Javier Pastor y Luisa Pastor y dirigida por esta última, tuvo como intérpretes a jóvenes vinculados a la catequesis impartida en la parroquia de las Santas Justa y Rufina. Diego J. Torres, Marta Ruiz, Alba Giménez, Lucía Casanova, Anabel Rivera, Alba Barberá, Sonia Aparicio, Paz Alarcón y Pepe Serna conforman el elenco dramático con que Auralaria considera consolidada su propia cantera para futuros montajes dramáticos y poéticos.

"Apuntes para una poética": José Luis Zerón Huguet

Auralaria os invita a aproximaros al poemario de José Luis Zerón, "Perplejidades y certezas", publicado recientemente en el blog del periodista J.A. Muñoz Grau. Como muestra de la profunda indagación en el hecho poético adelantamos estos "Apuntes para una poética". Imprescindible para todos los amantes de la palabra. 

APUNTES PARA UNA POÉTICA

José Luis Zerón.

(Retrato de J.A. Muñoz Grau)

Hay que vigilar hasta encontrar de nuevo el proceder del mundo en las palabras. Pero cuidado con los déspotas del lenguaje.

Inclinado con tu carga de incertidumbres sigues el rastro de la escarcha e indagas en los laberintos de briznas. Aspiras a verte colmado en la expectación. Tu fe es el camino por el que avanzas sin precipitarte. La duda es tu paroxismo.

El poema es como un pájaro atrapado en el deseo de ascender.

El poema no es el hogar, sino la errancia, último reducto de quien ha sido derrotado en todas las batallas contra el tiempo. Se escribe con gritos de incapacidad y expresivos balbuceos. No le busquemos certezas ni sentido. La desolación de la escritura es su grandeza.

El poeta sigue huellas imposibles en el desierto.

El poeta vive permanentemente en estado de alerta. ¿Cuántas horas dedicadas a remover la ceniza en busca del fuego augural? No se pueden contabilizar. En la calma o en el estruendo, en el alborozo o en el desamparo, persiste en acechar las defunciones. Su lengua es de ausencia y, sin embargo, tiene una fe inquebrantable en el encuentro. En su fervor hay un exilio y en su victoria una subordinación. Su identidad se fortalece en la frontera.

Percibes fascinado la claridad de los florecimientos y, con una paciencia instintiva, procuras decir el mundo, mas no es posible retener el temblor. Un poema es la gracia de nombrar lo efímero.

Las palabras son el despeñadero de la percepción.

El poema es una flor inoportuna que crece entre las ruinas de las ilusiones. Esplende como el jaramago en los jardines arrasados.

El camino del poeta está lleno de pozos y estrellas.

¿Qué es Dios?

El gran vacío, el espacio en blanco en donde hemos de naufragar.

En épocas de desamparo rotura tu propia nada y siembra en los surcos hostiles palabras de afirmación. Pero es preciso sentir la convulsión de la siembra, sólo así abrirás caminos de cosechas.

Creemos que cualquier camino nos llevará hasta la cima, pero al final de la senda siempre nos espera el precipicio. La cima está siempre por hallar. El alborozo de la búsqueda compensa las zozobras.

Pero nunca rompamos nuestros vínculos con la cima. Lo contrario significaría perecer en la inacción.

La poesía no es el saber del ser, sino más bien el de su carencia.

Hay seres ejemplares que aman las tormentas.

Si acaso encuentro abrigo es bajo el techo de la tormenta.

El torrente tiene tacto de sombra y de cieno y el color innombrable del útero. Su dulce fragor nos devuelve el límite borroso de otra vida que empieza ahora.

http://www.mgrau.es/perplejidades-y-certezas-de-jose-luis-zeron/

Artículo de Mateo Marco Amorós dedicado al último poemario de Ada Soriano

No es fácil encontrar a personas que hablen de poesía, y más que lo hagan con la sensibilidad que ello exige. De ahí que creamos necesario compartir con vosotros la reseña que Mateo Marco hace del último poemario de Ada Soriano, "Principio y fin de la soledad". El enlace es el que sigue. Esperamos que os guste.

http://www.elperiodicodevillena.com/n80535-Principio-y-fin-de-la-soledad.html

Portada de "Principio y fin de la soledad,
 ilustrada por Pepe Aledo

Auralaria en Poesía de mujeres

Por iniciativa de la poetisa Ana Muela Sopeña, escritora deliciosamente compulsiva que edita además varios blogs dedicados en cuerpo y alma a la poesía, entre ellos, Poesía de mujeres y Laberinto de lluvia, lugares donde esperamos encontrarnos, Auralaria participa de ese culto a la palabra con la publicación del  poema de Luisa Pastor,"En primera persona" ,en Poesía de mujeres,  acompañado del montaje que  pone imagen, música y voz al texto. Por cierto, la música es el gesto generoso de nuestro amigo Francisco Jorge Mora, fantástico compositor que nos cedió una melodía inquietantemente bella: "Obertura Dos Motivos".

Queremos agradecer desde aquí la energía y el cariño con que Ana Muela apoya nuestros pinitos, alimentándolos con su confianza. El abrazo es compartido.

El enlace con esta publicación es la que sigue:

http://www.poesiademujeres.com/2012/05/en-primera-persona.html

(Fuente: blog Poesía de mujeres del mundo)

Trailers confeccionados por Auralaria para Rostros de tiza

Os ofrecemos los dos trailers que confeccionamos para la presentación del libro Rostros de tiza, de Manuel García Pérez, en cuya presentación colaboramos el pasado día 3 de mayo, en el Ateneo Cultural Casino Orcelitano. El primer trailer lleva por título "La joven generación", y se centra en los personajes de la novela, con Where do i begin, de "The Chemical Brothers", de fondo mientras que el segundo, centrado en los escenarios de la obra, se presenta bajo el título de "Lugares comunes", con acompañamiento de Lovesong, de The cure. Agradecer a Manuel García el habernos dado esta oportunidad de colaboración (que esperamos no sea la última) y la colaboración desinteresada de Joaquín Marín, Carlos Boldo, Paco Llorca y María Ouarrouch.
 Esperamos que os gusten y os invitamos a comentarlos y a haceros seguidores de este blog dedicado a la poesía.

En la foto, de izquierda a derecha, Álvaro Giménez,  el escritor, Manuel García,

 el ilustrador,  Roberto Ferrández y el librero Vicente Pina (Códex)

Artículo de Mateo Marco dedicado a Auralaria

Os ofrecemos el magnífico artículo de Mateo Marco Amorós publicado en El periódico de Villena, en su sección "Fuego de virutas", que se refiere al incidente ocurrido en una de las protestas contra los recortes en la Biblioteca oriolana. Agradecer desde aquí las palabras que nos dedica. El enlace es el que sigue:
 http://www.elperiodicodevillena.com/noticia.asp?idnoticia=80413

Impartiendo "Historia de España" nos satisface el afirmar, como afirman algunos sociólogos e historiadores, que una de las conquistas importantes de la democracia española, democracia todavía joven se diga lo que se diga, ha sido la de reconciliar a la ciudadanía con las Fuerzas y Cuerpos de Seguridad del Estado. Fuerzas y Cuerpos de Seguridad que de ser durante el Franquismo instituciones principalmente represoras al servicio de un Estado dictatorial –al ordeno y mando del Régimen– pasaron a convertirse en Fuerzas al servicio del pueblo español. Cuerpos al servicio de la Nación. No sólo al servicio de quienes gobiernan la Nación.

Pero el hecho que hoy traemos empaña esta afirmación. Hecho que desearíamos anécdota si no lo viviéramos próximo por sentirnos próximos a sus protagonistas. Desde que la Biblioteca Pública de Orihuela tuvo que cerrar por las tardes debido a los dichosos recortes, que aquí han afectado al personal y por ende a las posibilidades de dar un servicio en un horario más amplio, han venido celebrándose concentraciones de protesta en las puertas de la misma. En una plaza donde ni siquiera se altera el tráfico de la ciudad. Concentraciones solidarizándose con los trabajadores afectados y exigiendo una mayor dotación a fin de que se pueda atender dignamente un servicio de lectura.


En una de estas concentraciones los organizadores consideraron que la protesta podría ser más significativa leyendo durante la misma algunos fragmentos del Quijote. En aquella ocasión intervino la profesora Luisa Pastor, profesora de Lengua Castellana y Literatura en el IES Tháder de Orihuela. Luisa Pastor recita muy bien. Por esta afición y arte ha ganado reconocidos premios con el grupo Auralaria, en el que también participa nuestro amigo y profesor Álvaro Giménez, a la sazón esposo de Luisa. Auralaria realizan montajes literarios y actos ligados a la literatura que destacan por su refinado gusto, por la exquisitez en todos los detalles. Quien tenga curiosidad puede escudriñar algunos de sus trabajos en YouTube o en el blog del grupo. Luisa Pastor participó con algunos alumnos en aquella protesta poniendo voz al Quijote. Finalizada la misma, recogiendo los trastos, se le acercaron dos individuos en chándal pidiéndole la documentación. Cuando Luisa, sorprendida, les solicitó que se identificaran, le acusaron de haberse significado en la protesta y le amenazaron con llevarla, a ella y a algunos alumnos, a comisaría. Tensión y rabia.


Puede entenderse, en aquellas circunstancias y recientes algunas experiencias violentas en Valencia, que la autoridad quisiera controlar las movilizaciones a fin de garantizar la paz social. Y que ningún altercado perjudicara a cualquier ciudadano. Pero si en aquella lectura-protesta del Quijote no pasó nada, que no pasó, los policías camuflados en chándal podrían haber guardado su discreción y dando media vuelta informar a sus superiores que lo que allí fue aquella tarde fue leer y reivindicar servicios para poder leer. Nada más.


Precisamente, en torno al Quijote, terminando febrero tuve el honor de actuar con la banda de la Sociedad Unión Musical de Bigastro haciendo de narrador en una composición del valenciano Ferrer Ferrán dedicada a la popular obra de Cervantes. Allí fueron agradecimientos, en algún caso hasta desmedidos para corresponder nuestra colaboración, pero ya no sé si tras la experiencia vivida por Pastor en las puertas de la Biblioteca Pública de Orihuela cometimos algún delito. Ahora recuerdo –yo me acuso– que cuando el ensayo y esperando la actuación, en conversación con algunos músicos nos quejamos de que siempre los recortes afectaran a la Cultura. Nuestras bandas de música también están sufriendo fuerte la crisis. Lo digo por si nuestros comentarios son, y no sé si con alevosía, desacato.

Foto Joaquín Marín

Álvaro Giménez García, finalista del VII Certamen de Literatura hiperbreve Pompas de papel

Vaya por delante que reconozco lo lejana en el tiempo que es esta noticia que comparto con vosotros, pero me ha alegrado igualmente. En 2010 presenté un microrrelato con el título de "No es lunes" al VII Certamen de Literatura hiperbreve Pompas de papel. Ayer curioseando por la red, me enteré de que resulté finalista. Os entrego el enlacedonde podéis leer el relato que seleccionaron y que forma parte de una antología de la edición de ese año (se encuentra en la página 27) .Espero que os guste.

http://www.pompasdepapel.com/public/files/publicaciones/07_Certamen_PDP_2010.pdf

Para los impacientes aquí está el microrrelato



NO ES LUNES

Portada
del libro de microrrelatos
ganadores y finalistas de la VII
Edición del certamen de literatura
hiperbreve
Pompas de papel

Desde luego que es martes, seguro, por lógica. 
Por eso, el Madrid jugaba un partido de Champions; por eso, 
Luisito estaba en clase de inglés; por eso, tu madre había ido al 
club a jugar su partida de cartas; por eso Ana, la sirvienta, estaba 
haciendo la cena después de haber limpiado la casa; por eso, tú, 
cariño, amor mío, has vuelto del trabajo antes de lo previsto y 
has oído los gemidos que venían de nuestra habitación; por eso, 
has ido hacia ella y nos has encontrado a Ana y a mí en nuestra 
cama, a la que tú, ya desnuda, no has dudado en meterte.


Giménez García, Álvaro
Finalistas 2010

Álvaro Giménez, finalista del II Certamen de poesía Gabino Pérez de Albéniz de Bilbao.

Comparto con vosotros los versos que me han servido para ser finalista del II Certamen de poesía Gabino Pérez de Albéniz de Bilbao.

Tres fotogramas para el olvido

I

Praia das Conchas (Faro, Portugal)

Foto Álvaro Giménez

Cuando ya nada importe,

sé que volveré a la Praia das Conchas.

Sentiré el tupido tacto de la arena y

la calidez del viento de agosto.

 Me maravillaré al ver las conchas desnudas

 naufragando en la playa,

 mientras suspiran por el incierto destino de sus       moradores.                                                                                 

Entre ellas, recorriéndolas, estaréis vosotras

escapando de vuestras siluetas.

En la lejanía contemplaré vuestros cuerpos,

 tal como eran,

en fotogramas de película de ocho milímetros,

y el tiempo habrá pasado

con la fugacidad de un anuncio publicitario. 

II

Paseo junto al Alcázar (Segovia, España)

“Corrientes aguas, puras, cristalinas,
árboles que os estáis mirando en ellas,           

verde prado, de fresca sombra lleno,

aves que aquí sembráis vuestras querellas,

hiedra que por los árboles caminas,

torciendo el paso por su verde seno.”

Égloga I, Garcilaso de la Vega

Un paisaje como aquel siempre fue un poema.

Foto Álvaro Giménez

Nunca pudo hacerse realidad

hasta aquel día en que el sol lo esbozó

como decorado de nuestros pasos.

Al contrario que el poeta

no nos entristecimos ni nos sentimos en grave mal,

sino que, gozosos de nuestra existencia,                                                                                  

lo grabamos en el arca de nuestra memoria.

Allí será medicina ideal en días de pasos cansados y dolientes.

III

Sacre Coeur (París, Francia)

Foto Álvaro Giménez

Lo que siempre recordaremos de París

es el nácar del Sacre Coeur rompiendo el gris plomizo

de una mañana demasiado fría de marzo.

Lo que nunca olvidaremos

será a los pintores a la caza de rostros y muecas

por la voluntad (que siempre les parecerá escasa).

Igual que entonces,

subiremos la espiral de calles y escalinatas

como peregrinos del hedonismo,

hasta que París nos aborde

y sólo seamos capaces de contemplar

la belleza que hoy mi recuerdo guarda con celo.

Versos de la rebeldía: "Frente al mar" de Alfonsina Storni

Alfonsina Storni o “la reivindicación de la soledad”.

Hay un antes y un después en la vida de toda persona. En el caso de Alfonsina, esa frontera la marca la poesía. De ser una niña acomplejada y vergonzosa, pasa a convertirse en voz firme que se afianza en su sexo y se hace fuerte en la cima que ha conquistado para sí sola. Esa cima es la independencia, la libertad con que emprende un vuelo, que es la poesía. Jorge Rodríguez Padrón, en el prólogo que presenta la “Antología mayor” de Alfonsina Storni (Ed. Hiperión), explica muy bien la metamorfosis sufrida por “esa niña descendiente de suizos de habla italiana, emigrados desde el Ticino a la provincia argentina de San Juan”, poniéndola en relación con esa “vita nuova” que le llegó en su momento a Dante Alighieri. Coincido en la percepción. A ambos les alcanza el amor, de forma dolorosa; ambos perdidos, cada cual en su selva oscura, con sus panteras rondándoles y un único escudo: su escritura, que les ayuda a superar, a hacer frente a su “hora cobarde”. Alfonsina Storni ve en la escritura una salvación, al menos, transitoria. Gracias a ella, sobrevive un tiempo, pese a las llamadas erráticas y constantes del mar. En su verso se crece, se hace mujer con mayúsculas, voz que otorga dignidad al más egregio feminismo, aquel que brota de una auténtica situación de injusticia social, sin afectación alguna, sin victimismos, y se rebela contra “lo amputado y reprimido de familia en familia, de mujer en mujer”, reedificando los solares de su gente, pero llegando mucho más allá: al enaltecimiento de toda alma femenina que guardaba algo “mordiente, vencido, mutilado”.

Alfonsina, como el mar, creció y se hundió en un fondo estático y poético, y con ella algunos naufragamos, enredados entre sus algas... con una pequeña lámpara encendida.

Luisa Pastor

Joaquín Sorolla (Valencia, 1863 - Cercedilla, España, 1923)

Formado en su ciudad natal con el escultor Capuz, en 1884 estudió en Roma durante cinco años, dedicándose sobre todo a cuadros de temática histórica. Fue en un viaje a París en 1894, cuando entró en contacto con la pintura impresionista, lo que supuso una verdadera revolución en su estilo. Abandonó los temas anteriores y comenzó a pintar al aire libre, dejándose invadir por la luz y el color del Mediterráneo. Son precisamente las obras de colores claros y pincelada vigorosa que reproducen escenas a orillas del mar las que más se identifican con el arte de Sorolla. Realizó también numerosos retratos de personalidades españolas y algunas obras de denuncia social bajo la influencia de su amigo Blasco Ibáñez. Su estilo agradable y fácil hizo que recibiera innumerables encargos, que le permitieron gozar de una fama que rebasó las fronteras españolas para extenderse por toda Europa y Estados Unidos, donde expuso en varias ocasiones.

Homenaje a Auralaria en el blog de la Asociación Cultural Nostromo

Os queremos hacer partícipes del homenaje que la Asociación Cultural Nostromo nos hace en su blog durante este mes. La asociación, formada entre otros por Paco Mora y Dámaris Navarro, nace con el propósito de promover proyectos culturales, principalmente cinematográficos y musicales, pero está abierta a todas las artes. Desde aquí nuestro agradecimiento.

En el siguiente enlace podéis ver la entrada que nos han dedicado

http://asociacionculturalnostromo.blogspot.com.es/

Tercer premio en I Certamen Nacional de Videopoemas de Almássera.

Auralaria Poesía Escénica obtuvo el pasado viernes 23 de marzo el tercer premio en el I Certamen de Videopoemas de la localidad valenciana de Almássera con su Videopoema “Se compra oro”. El trabajo combina un poema de Luisa Pastor, “Se compra oro” con un montaje de imágenes de Álvaro Giménez. Con estos elementos, el Videopoema hace una crítica a la excesiva dependencia económica que sufrimos en la actualidad. El Certamen, incluido dentro de una semana dedicada a homenajear la poesía de Miguel Hernández en el 70 aniversario de su muerte, se llevó a cabo en el Auditorio del Centro Cultural de la localidad de Almássera y contó, además, con la presentación de Pájaros en la memoria, último poemario de la poetisa y actriz alicantina Sacra Leal, quien abrió el acto con la declamación del poema hernandiano “Canción del esposo soldado” . Junto a este videopoema, Auralaria también presentó otros dos trabajos a concurso: "Así empieza todo", sobre un poema de Álvaro Giménez, y "En primera persona", basado en el poema del mismo título de Luisa Pastor y que contó con la colaboración de Francisco Jorge Mora, cuya obra "Obertura dos motivos" sirvió de acompañamiento musical a versos e imágenes. Este último lo podéis ver en el siguiente enlace de Youtube:

http://www.youtube.com/watch?v=pdw6fkp7zUU

Además, para terminar el acto, se proyectó fuera de concurso el videopoema de Auralaria Réquiem, basado en la obra de la poetisa rusa Anna Ajmátova.

(Arriba, en la foto, Luisa Pastor y Paloma G. Santiago, organizadora del acto, en el momento de la entrega de los premios)